音樂的論文
在個人成長的多個環節中，大家都接觸過論文吧，通過論文寫作可以培養我們的科學研究能力。那要怎么寫好論文呢？下面是小編整理的音樂的論文，僅供參考，歡迎大家閱讀。
音樂的論文1
關鍵詞：文化音樂教育音樂文化
摘要：音樂教育與音樂文化二者之間是緊密聯系的，音樂教育的發展是音樂文化得以傳承的重要途徑。目前我國的音樂教育還主要處于一種基礎教育階段，較多的重視對音樂技能與技巧的培養，關于音樂的文化教育相對要少，因此導致學生對傳統音樂文化了解較少，阻礙了音樂的發展。本文在此背景下，提出了音樂教育與音樂文化的關系研究，主要介紹了文化和音樂文化、音樂文化與音樂教育以及音樂文化教育的重要性，旨在從文化的角度說明音樂教育的重要性，以促進音樂教育的發展。
隨著素質教育觀念的深化開展，目前很多國家的音樂教育已經開始與文化相融合，成為真正意義上的文化音樂教育。由于每一種音樂背后都有一種文化對其進行有效的支持，因此可以說音樂是一種文化的表達，音樂與文化共存亡，沒有文化就沒有音樂，而沒有音樂也就沒有對文化的有效解讀。音樂教育是一種對音樂與文化的有效傳承手段，為音樂的發展注入了生機和活力，但我國目前的音樂教育還沒有將文化有效的融合進來，因此很難獲得真正意義上的音樂藝術的發展，要有效的繁榮我國的民族音樂文化，對音樂進行文化滲透是必要的選擇。
一、文化與音樂文化
文化是一種歷史表現與歷史傳承，狹義的文化主要是對人的一種價值觀念、意識形態等的描述，廣義的文化是一種精神財富的綜合。音樂作為一種藝術體現，也屬于精神文化的范疇，因此可以說，音樂是文化的一部分。同時音樂的表達一定程度上是受其背后的文化氛圍的支撐的，因此可以說音樂與文化之間有著緊密的聯系。音樂文化的教育主要是按照文化的發展模式來研究音樂的發展，實際上，音樂與文化二者之間是一個相互聯系的感念，音樂文化某種程度上可以認為是一種文化傳統的結合，我國音樂歷史源遠流長，在音樂發展的歷史過程中，無不體現了音樂文化的藝術魅力，這種文化包括各種音樂樂器的發明與使用，以及各種經典音樂作品的出現，比如高山流水的創作，體現了朋友之間的情誼。嵇康在《聲無哀樂論》中提出了關于音樂美學的理論，體現了中國音樂文化的光輝和音樂思維及審美情趣，與我國的傳統文化一起構成了我國音樂的巨大藝術魅力展示。
二、音樂教育與音樂文化
音樂教育與音樂文化二者之間有密切的聯系，一方面是音樂文化對音樂教育的促進作用，音樂文化作為音樂教育的基礎元素決定著音樂教育的文化特性，決定了音樂教育的發展方向，如果沒有音樂文化，音樂教育則只剩下對音樂技巧和技術的應用與描述，而失去了其審美情趣以及藝術表現力；另一方面，音樂教育的發展一定程度上又促進了音樂文化的發展，音樂教育的持續發展會促進音樂文化內涵的逐漸豐富。音樂教育作為音樂文化發展的重要載體和途徑為音樂文化的創新提供了有機的促進作用，如果沒有音樂教育，那么音樂文化也會停滯不前。
音樂文化一定程度上制約著音樂教育的發展，有什么樣的音樂文化背景，就會有什么樣的音樂教育模式，目前隨著全球化的發展和國內外交流溝通的增加，世界上不同的音樂教育模式及音樂文化底蘊會在一定程度上影響中國音樂教育的發展。另外音樂教育的轉換也會促進音樂文化的不斷繁榮和豐富，比如音樂教育過程中對其他音樂文化的吸收與借鑒，會對我國的音樂文化產生一定的同化作用，對促進我國的民族音樂文化具有重要的作用。
三、重視文化音樂教育
音樂教育某種程度上對文化的發展起到一種持續與穩定的作用，經典音樂是表現藝術價值的途徑，是一種在感覺的不斷積累的過程中實現其價值的形式。因此可以發現音樂教育的基本智能是對音樂文化的一種延續，通過音樂教育的形式使得音樂文化不斷的進行創新和發展。同時有計劃、有目的的音樂教育也可以有效的對音樂文件進行傳授，使得受教育者能夠最大限度的領略音樂教育的要領，獲取音樂知識。音樂教育對音樂文化的有效傳承實際上是一種去粗取精的過程，通過不斷的'篩選與整理實現的，這種篩選的過程主要依據社會的發展需求和受教育者的心理要求來決定的。比如我國音樂文化歷史上，曾經采用簡譜、五線譜等音樂符號來記錄音樂，隨著社會的發展和音樂教育的進步，五線譜和簡譜逐漸成為社會音樂活動發展的需要，成為音樂教育活動中記譜法的主要教學內容。另外音樂教育還將音樂文化的內容進行了重構，以更方便的形式使受教育者接受音樂形式，從而最大化的提高受教育者對音樂知識的掌握程度，從而不斷的掌握音樂文化的主體標準，確保音樂文化系統的統一性和完整性發展。音樂文化教育作為一種持續發展的動態過程，是一種不斷進行傳承的過程，將音樂教育與音樂文化結合起來，以促進文化和音樂文化的發展。
受中國教育模式的影響，教育的發展更多是重視對基礎的訓練，反應在音樂教育領域，更多是對音樂教育的技術和技巧進行培訓，而對音樂作品背后的文化，學生的創造能力和想象能力等的教育和培訓相對較少，學生不能深刻的理解音樂的藝術價值，制約了學生創造能力的發揮。就音樂教育來看，目前許多國家都將音樂教育規定為美育教育，音樂教育的主要目標是提高學生的創造能力，審美能力和邏輯思維能力。在我國，音樂教育雖然處于一種基礎教育階段，但音樂的文化內涵也開始被越來越多的人接受，民族音樂的發展與文化的有效結合取得了初步性進展和成功，音樂的文化教育發展特點越來越明確。
四、結論
在音樂的文化教育與傳承過程中，音樂與文化二者是緊密相關的，任何形式的音樂教育都必須經過文化的襯托才能體現出其藝術價值，文化對音樂教育的促進作用是目前音樂教育領域的重要理念。一種音樂只有與其特定的文化內涵相聯系，才能獲得良好的發展，充分體現出其藝術的價值。因此在音樂教育的過程中，還需要進一步的發現音樂作品背后的創造背景以及文化內涵，以感悟到音樂作品中的文化積淀。我們應該充分的認識到音樂教育對音樂文化傳承的重要性，積極發揮音樂教育的作用，體現出音樂教育的價值，促進我國優秀音樂的發展，保證我國傳統音樂文化的獨特性和多元性價值的發揮。
參考文獻：
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音樂的論文2
喜愛美的事物是人的天性，音樂審美思想的形成是基于主觀思想的，客觀理性思想則是其次。音樂的本質是一種表演藝術，與其他的藝術形式不同，它需要用表演形式來讓世人體驗音樂的美。音樂不像語言藝術，語言本身是具有語義性的，而音樂則不是，單憑純粹地看譜，幾乎沒人能了解它所要表達的感情，所以只有表演出來才能使人了解情感色彩渲染下的思想內涵及背后隱藏的故事。
一、演奏中美的含義
有不少為世人喜愛并廣為傳頌的鋼琴音樂作品，如《夢中的婚禮》等，都具有藝術美感，令人印象深刻。這些作品有一些共性：首先，它得符合大眾的審美，旋律簡單明了，讓人回味無窮;其次，需要人們的審美觀逐漸發生改變，從不接受到接受。演奏者最初都是從模仿開始的，不斷地重復去模仿，直到漸漸成熟，自己的主觀意識與客觀意識不斷磨合、碰撞，有意識地去分辨演奏的好與壞，學會如何控制整首曲子的感情色彩。在具有這種思維意識后，才能更清晰地認識到音樂的美，形成自我意識的主動性也是培養審美觀的重要意義所在。
(一)演奏中美的二度創作表現。從美學理論中我們可以了解到，音樂的表演實際就是二度創作，這種創作既不能脫離原作，又要在原作中適時地加入自己的東西，使之更加富有情感色彩，能打動人心，引發人的共鳴。創造的同時必須兼顧音樂的真實性，所謂的真實性實際上就是指認真對待樂譜。演奏者在接觸到新樂譜時，首先要先視譜，然后再視奏，但是很多演奏者往往只是機械地練習，忽略了作品背后隱藏的思想感情和內涵，例如作品是在怎樣的時代背景下誕生、作者又是懷揣著怎樣的心情進行創作的。
(二)二度創作的運用。二度創作的含義是在不脫離本質的情況下錦上添花，以《悲愴》為例，這首奏鳴曲是貝多芬最早期的作品，是這位偉大的音樂家還未全聾之前創作的，并且是他親自加上的標題。這首作品中滲透著日耳曼民族特有的理性色彩，當筆者第一次接觸到《悲愴》的第三樂章時，感覺它是歡快的，大眾也覺得它是一首歡快的快板。但筆者通過翻閱各種資料，更深入地了解到貝多芬的故事之后，才漸漸體悟到第三樂章在歡樂的背后其實隱藏的是微微的不安和內心的騷動，所以在演奏這首作品時既要融入自己的情感，又要學會控制自己的情緒，這是非常關鍵的。
二、演奏中如何運用音樂的美
(一)演奏中的情感色彩。演奏不同的作品時應該帶著怎樣的情感色彩去演奏，這可能是令所有的演奏者都感到困惑的事情。同一首作品由不同的人彈奏出來會有不同的感覺，因為每一個人的情感經歷是不同的，帶入的情感可能是滄桑的，也可能是激越的，但都會影響整個表演情緒的波動。每一位演奏者的表演都是具有獨創性的，表演技巧是表演中最重要的`因素之一，如果沒有掌握好技巧，就根本無法呈現出完美的藝術表現力，所以二者必須統一，這也是音樂表演的重要美學原則之一。
(二)演奏中的心理情緒。僅僅了解和掌握演奏作品的歷史背景以及最基礎的演奏技術還遠遠不夠，因為演奏者的心理因素往往是最難控制的。人的心理受內部因素和外部因素的影響，音樂家之所以能完全控制住整個場面，是因為他們擁有強大的心理素質，對于自身情感的流露能收放自如，而很多演奏者往往缺乏心理調控能力，演奏過程中形成的音樂畫面感并不強，缺乏自身情感的投入，只是機械地演奏完作品，聽眾完全感受不到演奏者想要表達的情感。因為演奏本身就是呈現給聽眾的一場聽覺盛宴，是為了讓聽眾被你的演奏所折服，所以需要不斷地提醒甚至暗示自己要注意把控和調節情緒。當然，情緒的流露與演奏者本身的經歷也息息相關，經常聽人說“這是一個有故事的人”，什么叫有故事?這樣的人一定是經受了許多事情的歷練，對世界的看法比常人更透徹，整個人的氣場也和常人有所不同。可見，每一位音樂家的風格都既受到他們所處的不同時代背景的影響，也受到自身心理素質和情感的影響。
綜上所述，對于美的認識要與鋼琴的演奏相結合，不能機械式地演奏;不能有了一定的技術含量就滿足，一味地追求技術和炫技，忽略了自身情感的融入;對于作者的了解要透徹，若沒有親身體就無法感受到作品的內涵及魅力;此外，還需要培養自身的心理素質，心理暗示對大腦的控制是一種很好的方法，可以使演奏者對自身情感的掌控達到收放自如的程度，有利于克服各種心理不適，培養堅韌的承受力，不會因為一次失敗就一蹶不起。
音樂的論文3
隨著流行音樂的泛濫和孩子對外界接觸日益頻繁，孩子對音樂的觸角更加敏銳，對音樂表現出來的喜好也更加明顯。有個別個性突出的孩子甚至在課堂上學習兒童歌曲時表現出抵觸心理，這讓我不得不開始思考：什么樣的學習方式可以讓孩子即喜歡流行音樂又不排除傳統音樂？
在兒童早期，他們對音樂的感知僅僅是有趣的歌詞和跳動的韻律，所以早期的音樂教育可以是模仿、對白，也可以是運動釋放。進入小學后，學習模式發生轉變，它不僅是對音樂的感知和對歌詞的表現，甚至還有對音樂知識技能的理解和實踐。我建議從一年級就開始注重循環培養孩子學習音樂的好習慣，有效提升學習效率，真正做到讓孩子可以發自內心去喜歡和聆聽音樂。我從以下幾個方面著手培養音樂好習慣：
一、靜下心聽音樂
為避免浮躁，我課前播放輕音樂或他們熟悉的流行音樂，孩子可以在走廊上聽，也可以安靜地坐在座位上聽。對于一些充滿好奇的孩子，我可以隨時回答他們關于音樂的小問題，遇到大家都模棱兩可的問題時，我不介意在孩子們面前承認我不會，我在下課前的幾分鐘把問題交給在座的每一個孩子，讓他們和我一起借助電腦或身邊的智者去得到答案，不少孩子還會用郵件把答案發送到我的郵箱，我建議他們把答案放在自己的博客或QQ空間里，作為資源共享。
有了那么多人的共同關注，音樂已經成為了一種相互間可以交流的話題，誰也不愿意在共同的話題中沒有發言權。
二、邊聽邊動學音樂
音樂課上可以動，但在習慣沒有培養好之前，我建議小動。學習1234567時，我把樂音寫在了孩子坐的椅子上，學到哪個樂音坐哪個椅子的孩子聽到后就要站起來，位置會按照游戲的需要不停地轉換。隨著音樂速度的變快，孩子們掌握樂音的.熟練度也提高了。
最有趣的莫過于腳趾游戲，我建議孩子們給自己的其中七個腳指頭分別寫好樂音名字，然后用小棒敲擊，比如在學唱《兩只老虎》時，就可以按照樂音的順序依次敲擊1231，1231……通過游戲，學生很樂意接受傳統音樂。
三、邊聽邊想折音樂
音樂課需要感知各種節奏，而節奏不外乎體驗快慢疏密的特征。我課前需要發給每位孩子幾張大小相等的紙條，告訴他們每張紙條代表著一個四分音符。然后我講自己編的這個音符的故事，故事中描述著音符的特征。孩子邊聽邊回答提問，認識音符。
折紙，一件和音樂有關的事情，但借用故事讓孩子們邊聽邊想邊折，就很輕易地讓孩子理解了音符的特征，隨后就可以開始聽琴學課本上相應的歌曲啦。
不光是課本上的兒童歌曲的節奏可以拿來折一折，甚至是孩子自己喜歡的流行歌曲，只要找到歌譜，遇到這樣的節奏也可以拿來折一折，自己消化復雜的節奏。真正讓課堂的知識延伸到課外。
四、邊唱邊找認清音樂
隨著年級升高，歌曲中的音符越來越豐富，樂音的高低也很豐富，教學中一般慣用聽唱的方法學唱高低不同的樂音，但我選擇游戲。先在地上畫上一些線，線分三種顏色，中間7條為白色，從低到高依次代表1234567，往上7條線為紅色，從低到高依次代表1234567，不同的是每個樂音頭上都有一個小圓點。而在白色線下面我畫了7條藍色的線，從高到低分別代表7654321，不同的是每個樂音腳低下也都有一個小圓點。游戲中，孩子們邊唱邊跳到那個相應的樂音線上，無形中他們結合鋼琴聲理解了這些樂音是有高低之分的。然后我再借助故事，告訴孩子們樂音頭上的那個小圓點叫高音點，高音點越多這個音就越高。樂音腳下的那個小圓點叫低音點，低音點越多這個音就越低。而帶低音點、不帶點、帶高音點三者的關系，孩子們早在游戲中就發現高低排列了。
有了對音高音低的概念，再聽琴的時候孩子們會更加仔細，聽辨樂音的高低更加用心。
五、邊唱邊演探討音樂
高年級有一些作品可以通過表演來探討甚至延伸，我曾經在一次活動中借助孩子熟悉的兒童歌曲《世上只有媽媽好》要求孩子用自己的歌聲來抒發對作品的理解。活動中我運用了速度的變化輕而易舉地演繹了不同感受的歌曲效果，孩子們發現原來每一首歌曲不一樣的表現方法可以導致不同的聽覺感受。課后他們就開始關注起對一些課堂上學過的歌曲的重新演繹，一些熱衷于流行音樂的孩子還大膽地添加了RAP。
六、邊找邊交流理解音樂
高年級有很多欣賞，如李叔同的作品，如果不課外添加教材，學生最多只是熟悉《春游》和《送別》兩部音樂作品，而李叔同本人絕對不僅僅只是在歌曲方面頗有造詣的人，所以，課后我請孩子們借助電腦搜集李叔同的相關背景及生平，讓學生盡量多地了解這個多才多藝的人物。孩子們有自己的博客或QQ空間，可以直接將搜集的內容存放在上面，方便自己的好友閱覽和交流，起到了我課堂上看不到的作用。
雖然目前音樂課本上有一些歌曲有點脫離孩子目前的生活，歌曲唱的有點空洞、摸不著菱角，但是我想從小培養好了音樂習慣，他們還是可以從音樂的本身去愛上作品，對音樂課堂也是一種良好的循環，能大大提升音樂學習的效率。
音樂的論文4
無論什么樣的文化,都必須經過傳播,才能在這個社會上站穩腳跟并被后人所傳承和發揚。音樂是具有自身魅力的精神文化,原生態音樂始終在連綿不輟的音樂文化里為創作者源源不斷的提供音樂素材。她是具有原生態與音樂的雙重特征,是以音樂為載體的原生態;同時,她是以原生態為載體,是音樂的一個有機組成部分。原生態音樂具有民族性,凝聚著民族精神,體現著民族文化。
作為養育人文精神的高等學校,傳承文化是其重要任務之一,對于原生態音樂這一音樂文化的繼承和發展,有著義不容辭的責任。教育界應當將原生態音樂這一傳統音樂文化引進高校,在高校開展帶有特色的原生態音樂教育,通過教育的主渠道,增強學生的原生態音樂文化保護意識,從而切實有效地保護與傳承原生態音樂,促進其持續發展。
保護原生態音樂,實際上就是保護少數民族的歷史文化。原生態音樂文化資源只有科學合理地開發利用,實施正確的教育傳承發展戰略,才能逐步形成文化品牌。高校能借助這些形式多樣、內容豐富的原生態音樂,真正使學生認識華夏音樂的真諦,從而熱愛我們的原生態音樂。
如何將原生態音樂引進高校,增強學生的原生態音樂文化保護意識,促進原生態音樂文化的持續發展,這一系列問題已經成為當前教育工作者極為緊迫和重要的工作任務,筆者對引進原生態音樂有如下構想:
1、引進原生態音樂的態度
(1)百花齊放、百家爭鳴
原生態音樂傳播于廣闊的大地上,其唱法多樣,形式不一,內容豐富,形成了一道多姿多彩的風景。高校在引進原生態音樂的過程中應該采取“百花齊放、百家爭鳴”的態度,允許音樂文化的發展呈現多樣性與多元化,讓原生態音樂在校園里爭奇斗艷。
(2)取其精華、棄其糟粕
原生態音樂不全是真金,也有良蕎不齊。高校在收集整理原生態音樂的時候需精心篩選,取其精華,棄其糟粕。高校在選用原生態音樂時應當注意將那些具有民族特色的、積極向上的、好聽好懂的、自然流暢的原生態音樂加以引進和推廣。
2、引進原生態音樂的方法
(1)高校參與編寫原生態音樂教材并開設課程
學校要積極地引導學生學習原生態音樂,通過課堂教學來引導原生態音樂傳承。原生態音樂來源于民間,它的學習對象不單是音樂類學生,還廣泛涉及于各年級各專業的學生。因此,我們在編寫教材和開設有關課程的時候,要考慮面向更多的學生,更廣泛地傳播這一富有特色的`原生態音樂。高校通過一系列有益措施使更多的學生了解原生態音樂文化、樹立對原生態音樂的保護精神,并對原生態音樂產生熱愛,汲取這一民族民間音樂文化中的有益精華,進而探索寶貴的民族文化財富。
(2)通過“活態教學”的形式有效地引進原生態
“活態教學”即活動教學,綜合教學,是音樂教育“走出去與請進來”有機結合的教學途徑。它可以采用錄音、攝像、記譜等多種形式對原生態音樂本原加以保存并引進課堂;可以通過實地考察等課外活動,使學生了解原生態音樂相關的原生態活動;同時,高校有計劃地引進國內外有知名度的原生態音樂文化人才,有教學需要的時候可以請部分著名民間藝人走進課堂,負責特色技能教學;也可以請著名民間藝人進高校演出,通過多種方式以保證在校學生能接觸到原汁原味的原生態音樂。利用課外活動補充課堂教學。高校大學生社團和各學院學生搞好原生態音樂文化的宣傳工作,定期舉行各種原生態音樂的比賽等。
(3)學校主管部門應制定相關制度促進原生態音樂教育
學校主管部門應認真考察、探究優秀的原生態音樂文化,重新評估它們的價值,制定相關制度促進原生態音樂教育,為參與原生態音樂藝術傳承學習的師生實施幫扶;在待遇方面也設立獎勵;積極組織師生在校園里開展豐富多彩的活動如文化論壇、知識講座或音樂會等形式進行原生態音樂文化教育。學校主管部門加大力度為國家培養優秀的原生態音樂文化人才,提高學生的原生態音樂文化素質。
結語:高校可以通過多種途徑去時時關注其他區域和國外先進原生態音樂文化成果,然后借鑒和應用,在與這些具體異域特色文化的交流中為原生態音樂課程注入新鮮血液,增添活力,讓學生的眼界更為開闊,也促進了原生態音樂文化的發展與豐富。
音樂的論文5
一、建設鄉土音樂教材的必要性
（一）培養學生的音樂興趣需要鄉土音樂的支持
興趣是最好的老師。少數民族地區學生生活在特定的環境中，他們對當地的民族音樂耳濡目染，形成了區別于其他地區的審美觀念和心理意識。音樂課程如果能充分利用當地學生的這種審美心理，可以在一定程度上誘發學生的音樂學習興趣，收到良好的教學效果。比如將教學內容與鄉土音樂曲目結合，就能創設一個令當地學生熟悉和放松的教學環境，可以大幅度提升學生的音樂學習興趣，使學生從原來被動地接受轉變為積極主動地參與，進而提高音樂教學的效率與質量。
（二）傳承與發展民族音樂文化需要利用鄉土音樂教材
鄉土音樂指的是特定區域內具有地方特性和區域特性的民間音樂。隨著科技的發展，信息化與網絡化的時代已經到來，外來音樂文化不斷滲入人們的生活，這樣雖然使人們的文化生活變得豐富多彩，但是卻減少了人們對鄉土音樂的興趣與了解，對鄉土音樂的情感慢慢淡化了。如廣西許多原本十分常見的古樸山歌、勞動歌舞，如今已經很少有人傳唱了，年輕的人們更熱衷于現代流行曲調，節日歡慶時的民族歌舞逐漸被現代歌舞所取代。如此種種，對于本民族音樂的傳承與發展是非常不利的。因此，教師有必要在中小學音樂教育中加強對民族音樂的教育，以培養學生對民族音樂的興趣，使鄉土音樂得到繼承和發展。
（三）弘揚民族精神需要鄉土音樂教材
民族精神影響著國家的興衰。廣西民族音樂源遠流長，很多音樂直接體現了民族精神，給人帶來潛移默化的影響和教育，人們在不知不覺中受到音樂的熏陶和教育。所以，把那些具有濃郁地方性與民族性的優秀民間音樂寫進中小學的音樂教材，既可以加深學生對本民族和地區的文化、歷史及民俗的了解與認識，更有助于激發學生的民族自尊心和自信心，從而有效地培養學生的愛國主義情感。
二、發掘民族音樂資源，創建鄉土音樂教材
教材，是知識的載體，是教師傳播文化，進行教學工作的主要工具與依據。在中小學音樂教材中加入鄉土音樂文化的課程，可以使學生了解和認識民族音樂，使民族文化得到傳承與發展。
（一）民族音樂資源的`整理與發掘
對民族音樂課程資源的整理與發掘，首先要走出校園，走進生活。教師對鄉土音樂的教育不可以局限于課堂和學校之中，而應帶領學生走出校園，走入民間，實地體驗鄉土文化氣息，這樣才能讓學生真正體會鄉土音樂的魅力。其次，要組織學生開展民歌收集與展示活動。收集成果的表演形式不應該局限于唱、跳、演等，也可以利用攝影、繪畫、寫文章等多種多樣的展示形式，使學生在分享與交流的同時，深刻地體會民族音樂的親和力與感染力。再次，學校要定期展開民族音樂的展演活動，如組織《印象劉三姐》展演等，這不僅是對學生學習民族音樂的肯定，更可以激起學生學習民族文化的興趣和對民族音樂文化的熱愛。最后，教師應引導學生查閱書籍或網絡，自主了解與民族音樂有關的信息，自主進行民族音樂的學習。學校應該定期邀請一些民間藝人來到學校，給學生們作表演和開講座，也可以安排學生對民間藝人進行現場采訪，拉近學生和民族音樂之間的距離。
（二）民族音樂資源的加工與創新
學校和教師不可以將收集到的民族音樂資源生搬硬套地利用到教學中去，而應該對所收集的民族音樂資源進行篩選與加工，使之具有民族性的同時又賦予了時代性特征。民族音樂資源的創新可以有以下幾個方面。第一，老歌新唱。把流傳比較廣泛的民歌、民謠的曲調進行重新填詞，新的歌詞要求語言通俗易懂、內容健康向上，同時還要保留歌曲本來的風格。如學習壯族民歌《唱山歌》時加入當代流行歌曲元素，更有利于學生學唱和理解。第二，把原有民族音樂中曲調、節奏相對復雜的地方，在保持原本風格的基礎上進行再次創作，做到化繁為簡。第三，把單聲部曲調改編成為多聲部合唱，使學生體會到多種演唱和演奏的形式，增加了音樂的趣味性與藝術性。第四，教師在教學中要對教學的內容加以拓展，比如在組織學生們欣賞了某首風格歡快的作品（如《牧童短笛》）之后，可以安排學生在當地民族節日中進行集體表演。
三、教材內容的初步構想
鄉土音樂資源的種類非常豐富，編者在資源搜集和選擇過程中，要考慮多方意見，如民間藝人、當地音樂教師和相關科研人員。鄉土音樂教材在遵照國家教學大綱編寫要求的同時，也要能夠突出當地本土性與民族性特色。廣西中小學校編寫的鄉土音樂教材可分為小學和初中兩卷，應選取廣西本土具有代表性和民族性的音樂作品與音樂教育方法相結合，具體內容有：
1.演唱類。
演唱類的民族音樂作品應包括在民間廣為傳唱的經典聲樂作品，采用民族音樂素材進行創作的新民歌，具有地方代表性的山歌、小調、勞動號子等。
2.器樂類。
詳細介紹具有本土民族特色的器樂曲和民族樂器，讓學生通過學習了解民族樂器的演奏方法。
3.歌舞類。
為學生介紹本地區的民族舞蹈，讓學生通過學習掌握一些民族舞蹈的基本動作，使學生能夠在民族舞蹈的學習中體會其中傳達的民族精神面貌與生活方式。中小學音樂課堂將鄉土音樂融入教學中，有助于學生通過聆聽、演唱、演奏本土音樂等實踐活動，獲得審美感知，掌握音樂基本知識和技能，熟悉和了解本土音樂傳統，整合音樂教學內容拓寬了學生的音樂視野，激發了學生的想象力，讓學生人人會唱家鄉的歌、跳家鄉的舞，演奏本土樂器，增強了學生的創新意識。
四、總結
建設鄉土音樂教材是促進廣西課程改革的一項重要措施，對學生們多元文化觀念的培養具有重要意義。鄉土音樂教材的建設，應該充分把好質量關，發揮它特有的教育功能和教育意義，使鄉土教材能夠真正為中小學的音樂教育做出詳細、準確的補充。建設中小學鄉土音樂教材對于廣西音樂教育的發展與民族音樂文化的傳承有著重要的意義，需要教育工作者在實踐中不斷地摸索和完善。
音樂的論文6
音樂美學的基本內涵
馬克思的這一說法在現在看來仍然是準確無誤的，因為人類審美意識的產生都是以當時的歷史和社會條件為前提的。作為音樂美學重要的組成部分，音樂感知的產生也是必須以音樂藝術的存在為前提，只有客觀的音樂藝術存在，人類才可能在此基礎上對音樂的對象進行五官感知，把音樂的對象化為可以感覺到、聆聽到以及觸摸到的虛擬物體。如果音樂對象不存在，人類今無法去感知，談論音樂美學也就毫無意義了。作為音樂美學的重要環節，審美評價是指對音樂的好壞能夠做出一個客觀的評價。人類的心理基礎決定了其所共有的欣賞水平與審美趣味，在某種程度上來說，人類對于某一類型的音樂是認同還是排斥所依據的標準就是“共同感知”，它主要是人類在長期的社會實踐與生產中產生的，因此其審美活動也就是在人類的社會活動范圍內，受到人類社會本質的強烈影響，進而形成了普遍的審美評價。隨著社會的不斷發展和人們生活方式的改變，音樂的審美標準要緊隨時代前進的腳步，這樣才會引起人們的認同和接受。盡管音樂是以虛擬化的形式出現的，但人們對于音樂的感知程度卻一點也不必實際物體差，這就是音樂情感的作用。人們通過對音樂情感的領悟把音樂物化和意象化，人們根據自身的文化素養和審美趣味，憑借對音樂情感體驗這種直觀的感受，不斷的探索和揣摩，進而能夠把虛擬化的音樂對象轉化為實體，這種全新的對于音樂的完美詮釋真實的展示出了音樂世界的博大精深與妙不可言。
音樂美學包含的文化意蘊
因為人類本身是一種感性動物，注重的是對音樂的直觀感受，但音樂美學是一種感性思維與理性思維的交匯，因此，在探討音樂的規律以及本質時，要對其進行綜合分析。但一定要尊重音樂給予自身的直觀感受，因為第一感覺往往是正確而又接近實際的，這是獲取音樂美的最直接途徑。由于人類又具備思考的能力，因此可以在感性的基礎上對音樂進行理性分析。理性的分析音樂的外在形式以及內在含義，找出音樂與社會生活之間的聯系，進而提煉出音樂的本質和特質，創造出更多的`優秀音樂作品。每一部音樂作品都有其具體的內容和形式，音樂所表達的內容是通過演奏形式體現出來的，二者早已融為一體，而且不可分割。從某些方面來看，音樂的形式也是音樂內容的一個組成部分，因為是音樂向聽眾展示了其外在內容，除了樂聲之外別無其它，而音樂的具體內容又是通過形式表現出來，音樂形式對音樂內容的表達起到促進或者制約的直接作用，二者互相影響，密不可分。音樂美學的產生是順應藝術發展需要的結果。藝術的道路是永無止境的，而且作為人們精神活動的一個部分，藝術可以用音樂、電影以及繪畫等豐富多彩的形式填補人們精神生活上的空虛和寂寞，人類已經離不開藝術活動，藝術裝飾了人們單調乏味的平凡生活，是這個世界充滿了活力與生機。音樂美學的發展程度同時制約著藝術的前進道路。音樂美學作為歸納音樂本質與審美的一般規律，是可以知道具體的音樂實踐。在實際的音樂表演與創作中運用音樂美學的直觀導向可以為音樂的長遠發展提供可靠的前提基礎，音樂的發展也會促進整個藝術界的前進，因此，音樂美學的發展程度直接影響到引述道路的前進方向與速度。從這個角度來看，藝術的真正魅力在于其不斷被創新和超越，永葆生機。總結音樂美學思想蘊藏豐富，博大精深，它與同時期的文化一樣歷史悠久，源遠流長，具有深厚的文化底蘊和基礎。音樂美學的基本內涵包括音樂感知、審美評價以及情感體驗三個環節，其文化意蘊更是多種形勢內容以及思維的融合，只有清楚的了解音樂美學與其文化意蘊的內在聯系，才能創作出適合廣大人民而又優美動聽的音樂作品。
音樂的論文7
摘要：將影視作品與音樂相互結合在一起就會形成另外一種藝術形態，即影視音樂。影視音樂其實就是音樂與影視作品的結合體，通過獨特的藝術形態和特殊的功能將能夠充分展現影視作品的獨特魅力。將影視音樂鑲嵌于影視畫面中，就可以傳播影視作品，體現出影視作品的內容與思想。作為一種獨特的藝術形式，音樂在其中起著非常重要的作用，同時也是影視作品不可缺少的重要部分。本文就影視音樂藝術形態與運用進行簡單分析。
關鍵詞：影視音樂；藝術形態；運用
引言
從專業的角度來說，音樂本就是一種藝術形態，同時也是人們日常生活感情的直接體現。音樂來源于生活，但是又高于生活。人們可以通過不同音樂形式來表達自身的情感，同時也會利用音樂來描述對生活的向往和憧憬。聽眾在欣賞音樂的時候，會產生一種情感體驗和共鳴，同時在演唱者演唱音樂的時候，通過音樂來實行多方向的溝通。影視音樂是一種音樂形態，與一般音樂存在著一定的差別。但是受到多方面因素的影響，影視音樂有其自身的表達特征。但是無論是何種音樂形式，都具有其自身的藝術形態。
1影視音樂在影視作品中的作用
對任何一部影視作品來說，影視音樂是不可缺少的重要組成部分。影視音樂在影視作品中具有非常重要的作用。通過系統的研究分析就可以發現，影視音樂在影視作品中的作用主要體現在這么幾點上：首先，有助于推動劇情的發展。影視作品在播放的時候，可以有很多種方式來推動劇情的發展，但是比較常見且最重要的方式就是影視音樂。在影視作品中，融入影視音樂，對影視作品故事的發展起著關鍵性的作用，有利于影視作品內容的深化，以此來推動影視作品。在眾多叫人印象深刻的恐怖電影中，《奪魂怨靈》的作曲家通過改編影視作品中的小夜曲，來編制出與主人公幼年時相似的旋律。這一情節其實就已經為整部影視作品的發展設定了較多的懸念，推動劇情發展至高潮。［1］其次，提高影視作品的感染力。利用與影視音樂相符的場景來烘托氣氛，是影視作品經常采用的方式。采取這樣的手段，可以提高影視作品的感染力。實際上，利用這種方式就是通過影視音樂將與影視作品時代相符的地域特點、民族特點帶入到作品中，從而可以提升影視作品的感染力。影視作品《我的父親母親》中，有一個場景是母親穿紅色襖子，戴紅色頭巾在冰天雪地等待父親歸來，最后暈倒在雪地中。其中就通過配上小調式的音樂來襯托情感，以此提高作品的感染力。影視音樂與影視場景相互結合，充分展現出鄉村少女純潔的情感。
2影視音樂藝術形態
研究發現，一部影視作品中包含了不同形態的影視音樂。同時，不同種音樂形態在作品中發揮出不同的作用。總體來說，影視音樂藝術形態主要有這么幾種：首先，影視元素形態。影視音樂即使是音樂藝術形態的一種，但是其并不同于一般的音樂。影視音樂會受到空間與時間的影響，促使其有自身的表達方式。綜合來說，影視音樂更重視功能性。在影視作品創作的完成，影視與影視音樂需要共同協作。影視音樂是影視作品較為重要的表達元素，與影視作品其他的元素相互合作，促使影視作品故事更生動，人物形象刻畫得更為生動，以此推動情節發展，延伸影視空間與時間，繼而就可以構筑出完美的影視藝術作品。
影視音樂作為影視作品中眾多的元素，其并不是簡單地與影視音樂堆砌為一體，其目的就是要升華。影視音樂的特點就是在影視作品中可以引用幾個相同的音符來表達不同的意思。其次，內容特指形態。在重新組合動態音符后，就可以賦予影視音樂不同的情緒與情感。實際上，在欣賞影視作品的時候，通過具體的問題，觀眾能夠感受到某些具體的信息，而將其轉變成具體的`音符就是“哆啦咪發嗦啦唏”。除去具體的音符，觀眾是很難體驗到其他的信息內容。影視音樂的獨特魅力就是可以利用抽象的音樂將情感傳達給觀眾。影視音樂與文字藝術具有的共同性就是內容特質性。利用聲、旋律等不同種的形式，影視音樂就可以為觀眾創造一種良好的情感氛圍，同時還可以打破傳統的印象，促使影視作品更具針對性與目的性，向觀眾闡述故事情節的發展。唯有如此，影視作品才能夠被觀眾理解。可見，影視音樂的內容形態就是為影視作品而服務的。影視音樂編曲重視與影視作品內容的相互配合與溝通，從而實現音畫合一的目的。無論影視作品采取何種形式，都需要注重音畫合一。再次，聽覺完形態。影視音樂唯有在聽覺上呈現出完整性，才能夠體驗到真實。聽覺完整性強調的是音樂與作品的完整性。［3］
在劇情發展的過程中，影視音樂通暢需要采用某個或者某幾個音樂片段來與之相互結合，從而體現出影視作品。影視音樂與一般的音樂在創作與演奏的時候存在明顯的不用。影視作品在創作與表達的時候，需要根據影視作品的需要。因而，影視音樂具有在時間上具有片段性。受到情節的限制，音樂播放的時間長短由影視作品故事情節的發展來決定。可見，影視音樂獨立于影視作品但又依附于影視作品。在編曲的時候，需要根據影視作品人物情感的變化而做出調準，從而展現影視作品。最后，旋律運動形態。旋律運動是影視音樂思想內涵的具體體現。通過將不同的音符按照相應的順序組合在一起，就能夠形成不同的旋律，從而表現出不同的內容。7個基本音符與5個變化的音符共同組合成音樂音符。將不同的音符進行不同的重組，就能夠展現出影視作品中人物不同的情感。影視音樂旋律在整體上表現得較為流暢。在欣賞影視作品的時候，觀眾看畫面的同時，其實也在欣賞影視音樂。通過兩者的相互結合，就能夠為觀眾留下思考與回味的印象。
3影視音樂藝術的合理運用
實際上，一部優秀的影視作品中有很多種影視音樂，影視音樂并不僅僅只有主題曲與片尾曲。在播放影視作品的時候，根據故事情節發展的需要，其中有很多地方會應用到音樂。影視作品中需要應用到音樂，主要有聲畫對位、聲畫對立以及聲畫同步。例如，在《泰坦尼克號》中，包含具有情感特色的蘇格蘭風笛。通過風笛將觀眾帶入到畫面中，即會在觀眾的眼前展現出浩瀚的大海，同時在靜謐的大海中略帶感傷。［4］這樣的表達方式其實就是聲畫同步，保持影視音樂與影視情節相符，就是聲畫對位。在相同的場景中，將聲音與畫面同時呈現出來。而聲畫對立其實就是以隱藏模式來講人物內心的情感表達出來。
4結語
在影視作品不斷發展的過程中，影視音樂為滿足影視作品發展的需要，會不斷增添多種音樂元素，從而推動影視作品的發展。事實上，影視音樂在深入研究影視音樂對影視作品的創作和豐富人類精神具有非常重要的作用。了解影視音樂的發展形態，并合理地運用，是一部優秀影視作品應當具備的要素。
參考文獻：
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［4］楊曉輝.有關影視音樂的藝術形態與應用分析［J］.電影文學，20xx，3（2）：133-135
音樂的論文8
摘要：中小學音樂課本所選的歌曲一部分可取近年優秀的流行歌曲，另一部分可保留現存音樂課本中的優秀的歌曲。當代優秀兒童歌曲的創作量不大，適合學生演唱曲目更是太少。現有音樂課本的理論等內容過于專業化，使學生不易接受。我們的教育應從單純的唱走向多元化，奧爾夫音樂教育體系帶給我們新的啟發。21世紀的多媒體課件的使用，為現代音樂教育提供了有力的保障。一切都要以務實求真為基礎，我們的音樂教育才能取得真正意義上的成功。
前言:21世紀已經不再允許我們使用過時的教學理念和教學模式了，為了適應世界的變化，為了適應當代學生的發展變化，我們的音樂教學是否也應該發生某些變化呢？當代中小學音樂教育存在哪些弊病？我們針對弊病作如何改進？音樂需要天地，天地需要音樂。課堂是傳授音樂的最佳的地方，我們戰斗在第一線上的老師們讓孩子們乘著歌聲的翅膀飛翔、飛翔……
關鍵詞：當代中小學音樂教育思考
今年亮相春晚的一首網絡歌曲《老鼠愛大米》讓處在音樂干涸期的流行樂壇為之一震，成為此次春晚的一個亮點。《老鼠愛大米》以其詼諧、風趣的歌詞和簡單明朗的旋律走進了萬戶千家。而我們的音樂課本呢？有多少歌曲是現在的學生所喜歡的呢？這也并不是說我們的課本過時了，也不是說讓我們的課本完全的改版成通俗歌曲曲譜。但是，我們不得不承認，流行歌曲因其大眾化正正被更多的非音樂專業的聽眾所接受。因此，選取近年優秀的流行歌曲到中小學音樂課本是完全有必要的。而對于現存音樂課本中的優秀的歌曲應予以保留，雖然這些歌曲離我們的生活漸漸變得遙遠。但是，其對中國乃至世界的音樂文化的發展起到了不可磨滅的作用，是人類精神的寶貴財富之一，我們有必要并且很有必要將傳成下去，這是歷史賦予我們的責任和義務。
下面再來談談關于音樂創作的問題。眾所周知，兒童歌曲的創作后的利潤是非常的低，而創作一首流行音樂，再經過包裝，它的利潤將成倍增長。因此，當今樂壇總趨勢是創作兒童歌曲的作家越來越少，而創作流行音樂的作家卻是越來越多。這是一個可悲的局面，不知道那些整天高喊著“一切為了孩子們”的專家作何感想，連讓孩子們唱的音樂都沒有，還談什么素質教育？現在的中小學音樂教材中所選歌曲竟然還是那些70-90年代的兒童歌曲，而近年的雖為數不多卻也不乏優秀的兒童歌曲卻沒有或幾乎沒有選入現在的教材，更別提音樂界的一些最新成果的展 示。一方面是優秀歌曲的數量無法保證，另一方面也是由于我們的教材更新時間根本無法保證，造成了我國中小學音樂教育外部設施的缺乏，使我國的廣大地區的音樂教育形同虛設。這是我國的各級官員們特別是打著“孩子至高”應旗號的人們應該認真檢討反思的。我們中小學的音樂教學的目的到底是什么？當今我國的中小學音樂教材總體數量較多，而幾乎每本教材都會談到音樂基本理論、視唱、練耳等音樂專業課程，不是中小學音樂課就不該介紹這些內容，是在是因為其難度以靠近音樂專業本科教學難度。這一點似乎是受大浪潮（應試教育）的影響。
學生們被填塞滿了諸如音符、休止符、音階、音程、和弦、調、調式、曲式以及數十種音樂記號，并視唱帶有一個、二個、甚至三個升降號的曲調，聽辨音程、和弦、調式，聽寫旋律，分析曲式等等。這種狀況，使得我們的基礎音樂教育培養了一批又一批由于無法逾越“雙基”高墻而面對音樂產生自卑與冷漠心態的失敗者。我們進行中小學的音樂教學的目的到底是什么？這是一個很難回答卻也很好回答的`問題。為了孩子，為了提高孩子們的藝術素養。但是，通過這種填鴨式的方式真能提高孩子的藝術素養？答案是否定的。孩子們愛音樂卻不愛音樂課，這恐怕是世界上最滑稽卻又最傷悲的事了。那種先練打節奏，接著唱音符，然后讀歌詞，最后填歌詞的老套教學法以不能再適應如今的音樂教學，老師一本正經的嚴肅認真的教學恐怕也是收效甚微，機械、呆板的訓練方式使如今的漸漸適應快餐文化的孩子們感到厭倦。因此，音樂教學改革迫在眉睫。我國的音樂教育是從學堂樂歌發展起來的，而當時的學歌的唯一形式就是口傳心授，這是由當時的教學環境所決定的，而如今，處于21世紀前沿的新一代的人民音樂教師還用這種老式的教學法那才是貽笑大方。首先，我們的了解音樂是一種怎樣的藝術？音樂是一種聽覺藝術，是把音按一定的規律組織起來，使人聽之產生美感的藝術。既然它是聽覺藝術，聽也就是欣賞才是真正的“主角”。因此，我們的課程教學方向應該逐漸轉向以欣賞為主的教學模式，我們開設音樂課的目的也就是培養廣大學生的音樂感受能力，正如周大風同志在其《音樂教育改革芻議》中提到的那樣“當務之急首先要改變幼兒園、小學、中學、師范學校的音樂教育的結構。改革‘以歌唱為中心，識譜為輔’，而代以欣賞、器樂、歌唱三者并重的音樂教育結構。尊重音樂教育藝術是以感受為特征的規律，讓學生在課內課外多聽民族的樂曲，……從小培養他們對民族音樂的感情和愛好。特別要注意‘聽比唱更重要的規律’。”
認識到了現在所存在的問題后，我們的老師們應如何改良我們的音樂教學法呢？當代世界著名的德國作曲家，音樂教育家卡爾.奧爾（1895-1982）給出了明確的答案。這種用音樂和動作、舞蹈、語言緊密結合在一起的新的形式，是一種人們必需自己參與的音樂，即：人們不是作為聽眾，而是作為演奏者參與其間；它是先于智力的，它不用什么大型的形式，不用結構；它帶來的是小型的序列形式、固定音型和小型的回旋曲形式。原本的音樂是接近土壤的、自然的、機體的、能為每個人學會和體驗的、適合于兒童的。
奧爾夫原本性音樂教育的原理具有以下幾點：
1、綜合性；
2、即興性；
3、親自參與、訴諸感性、回歸人本；
4、從本土文化出發；
5、適于開端；
6、為所有人。
其中即興是奧爾夫音樂教育體系最核心、最吸引人的構成部分。
在現代化的今天，錄音、錄像、廣播、電視、電影、幻燈、電腦多媒體等硬件，以及音像制品，載有各種教學資料的音像帶、視聽盤和各種電腦多媒體光盤、課件等軟件，已成為教學媒體的主流，成為極具特色的現代音樂教學設施與手段。在現代音樂教學活動中，這些手段與設施對于提高教師的教學質量、學生的學習效率以及教育與社會的融會貫通，都發揮了很大作用。其特點為：普及性強，信息量大，形象直觀，具有很深的感染力。因此，多媒體的普及帶給老師們的應該是教學上的多元化。在信息量猛增的21世紀，老師們的知識和教學法的更新或許才是培養下一代的至關重要的內在的條件。
改良當代中小學音樂教育之路任重道遠，希望我國全體國民都真真切切的關心我們的下一代，務實或許才是解決這一問題的最好的途徑和方法。
音樂的論文9
一、有利于進一步拓展音樂教育的內涵
經過幾千年的發展，音樂教育已經形成了獨特的教育內涵，而將民族音樂文化應用于音樂教育中，更進一步拓展了音樂教育的內涵。一方面，從文化性的角度來看，雖然音樂教育自身具備自身的文化特性，但是把民族音樂融入到音樂教育中去之后，就會使得音樂教育增添了民族音樂文化特色，比如民族音樂文化體現了各民族的歷史傳統、生活習慣、文化特色等方面的內容，而這些民族音樂文化中的特色，是一般的音樂教育中難以體現出來的。再如民族音樂文化中體現出了少數民族的文化特色，如果在音樂教育中缺乏了少數民族音樂文化的影響，那么，音樂教育也是不全面，不完整的。由此可見，將民族音樂文化融入到音樂教育中，對音樂教育的文化內涵有著一定的拓展。另一方面，從音樂教育的實質內涵來看，作為教育，音樂的目的在于陶冶人的情操，促進人的自由而全面發展，實現以人為本的發展。而民族音樂正是可以有效彌補人的全面發展的有效元素。在目前音樂教育的背景下，不少學者都提倡要進行多元音樂教育，即通過各種形式的音樂教育，提升學生的全面發展，提高學生的綜合素質。民族音樂文化作為一種特色文化，有著豐富的自身內涵，通過學習民族音樂文化，不但有利于提升學生的學習興趣，增加學生的音樂知識，而且還有利于提高學生的綜合素質，促進學生的自由而全面發展。因此，在這種情況下，民族音樂文化就成為了多元音樂教育的重要力量，對于豐富音樂教育的內涵，進一步凸顯音樂教育的文化魅力，達到音樂教育的最終目的等方面都有著重要的影響。
二、有利于豐富音樂教育的實質內容
音樂教育是一門非常重要的課程，不管是在高校或者在中學，不少學校都把音樂教育列為必修課程。在這種情況下，音樂教育的實質內容豐富不豐富，內容精彩不精彩，直接影響學生的學習效果和教學質量，而民族音樂文化作為音樂教育中的重要組成部分，自然肩負著豐富音樂教育實質內容的重任，主要有以下兩個方面。第一，民族音樂文化本身就是音樂教育的重要組成部分。從宏觀方面來說，音樂教育的內容較為廣泛，主要包括國外音樂文化、民族音樂文化、基礎音樂文化等各方面。以《義務教育課程標準實驗教科書.音樂》為例，明確要求學生要掌握唱歌、欣賞、歌表演、器樂和音樂活動等。由此可以看出，民族音樂已經成為音樂教育必不可少的內容。另一方面，隨著時代的發展和音樂教育的不斷進步，音樂教育也呈現出多元化的趨勢，而民族音樂文化正是適應了這一趨勢的發展。因此，如果在音樂教育中不斷的滲透民族音樂文化，不僅有利于豐富音樂教育的實質內容，而且還有利于調動學生學習音樂的積極性，更加有利于提高音樂教學效果。第二，民族音樂文化的進步不斷豐富著音樂教育的實質內容。歷史上，各民族在長期的發展過程中形成了自身獨特的音樂文化，隨著時代的進步和發展，民族音樂文化也在不斷的發展和進步，因此也呈現出了與歷史上不同特色的文化。在音樂教育中，不但能簡單的運用當年的民族音樂文化，而且還可以對民族音樂歷史文化進行深刻的研究，并應用到教育中去。另一方面，也要對民族音樂的進步、發展、演變進行關注，確保用最新的變化內容去做好音樂教育。從這種情況就可以看出，正是由于歷史上、當前或者今后民族音樂文化的不斷發展和變化，所以會對音樂教育產生重要的影響。
三、有利于增強音樂教育的實效性
長期以來，由于種種原因，音樂教育的教學效果令人堪憂。造成這一問題的原因雖然較多，但是從音樂教育本身來看，自然主觀方面是產生問題的主要方面。基于這一思考，音樂教育之所以產生問題，主要原因在于課程內容設計不合理、不豐富，不能有效的'調動學生學習的積極性。民族音樂是音樂教育的重要組成部分，因此，民族音樂文化對于提升音樂教育的教學效果發揮著積極的影響。作為音樂教育的重要組成內容，民族音樂文化豐富了音樂教育的課程體系內容。從現有的音樂教育的教學內容來看，不少學校都涉及到了民族音樂文化，這在豐富音樂教育體系，提升學生的學習熱情方面做好了前期準備工作。但是問題在于，雖然不少學校都把民族音樂作為音樂教育的重要組成部分，卻極少重視對民族音樂文化的教學，不注重深挖民族音樂的文化，只是機械的讓學生去學習民族音樂，而沒有從民族文化的角度，特別是沒有結合學生的學習興趣，讓學生內心燃起一種深刻了解民族音樂文化的熱情，在這種情況下，學生對于民族音樂的學習就是被動的，因此學習效果不佳。鑒于這種情況，學校要深刻意識到民族音樂文化對于提升學生學習音樂教育的重要性，采取相應的措施去重視民族音樂文化的挖掘，不但有利于學生了解民族文化，在內心引起共鳴，更有利于提升學生的學習效果，提升教學的實效性。
四、有利于促進音樂教育的課程改革
近年來，各學校都加大了各課程教育改革的力度，音樂教育也在其中。從目前的情況來看，是取得了一定的成績的。民族音樂文化作為音樂教育的重要組成內容，不少學校也比較重視把民族音樂文化融入到音樂教育中去，這對于音樂教育的課程改革發揮了積極的影響。綜合起來看，主要有以下三個方面的影響：第一，通過課程改革，音樂課程更加有利于促進學生的全面發展。在音樂課程改革中，不少學校除了重視民族音樂文化對于陶冶人、發展人的重要作用，還重視民族音樂其他方面的拓展，如精神內涵、專業技巧、發展特色等各方面，這些方面的內容，對于學生拓展音樂知識，提升精神文化生活發揮了重要的作用。第二，有利于音樂教育本身的發展。為了進一步做好音樂教育教學工作，不少學校都重視民族音樂的研究和拓展工作，一方面，學校積極組織教師深入開展研究民族音樂，對民族音樂的特色、文化、歷史、精神內涵、演唱技巧等方面進行了深入的研究。另一方面，不少學校還花大氣力引進高素質、高學歷的音樂專業教師，特別是注重引進具備民族音樂專業素養的教師，這不但對于民族音樂文化的發展，而且對于音樂教育本身的發展也有著重要的促進作用。第三，促進了音樂教學質量的不斷提升。民族音樂文化在音樂教育中發揮著重要的作用，不少學校善于將民族音樂文化應用于學生的思想道德教育、專業素質培養等各方面。通過扎實的課程改革，學生的綜合素質在不斷提升，教學質量也在不斷的得到提高。由此可見，在整個音樂教育體系中，民族音樂文化發揮著重要的促進功能，教育工作者只有不斷的加強對民族音樂文化的研究和拓展，才能在發展民族音樂文化的過程中拓展音樂教育的內涵、豐富音樂教育的實質內容、增強音樂教育的實效性、促進音樂教育的課程改革。
音樂的論文10
一、重視音樂課在小學教學中的地位
雖然教學體制改革的步伐從來沒有停止推進的腳步，但是應試教育和傳統教學模式依舊占據當今教育體制的主導地位。小學教學工作一般來說，重視語文、數學等科目，對于音樂、自然、勞動、美術、品德等課程的重視程度遠遠不及這些科目。筆者認為，首先要重視音樂課程在教學中的地位，并不是要求教學安排上同語文、數學等核心文化科目相對等，至少在平時的教學中，不要為了應付期末考試來犧牲音樂這種文化課。其次，要糾正對于音樂課的一些誤解。不少的教學工作者對于音樂等科目的認識存在偏差，認為這種科目無非就是打開嗓子嚎兩句，每個學期教學生唱會幾首歌就行了，不用投入過多的教學精力。到了期末考試等重要時刻，犧牲音樂課也是適宜的。種種錯誤的認識，是與小學音樂課教學的精神背道而馳的，因此，我們在教學中，應當盡量避免出現這些不當的教學觀念。再次，要加大對于小學音樂教學設備的投入。城市小學大部分都有電子琴、手風琴、專門的音樂教室等優秀的教學設施，而相當一部分農村小學則沒有這么好的條件，往往就是在一個教室里邊學習文化課和音樂課，沒有這些器材，單靠音樂教師用自己的教學魅力來吸引學生的興趣。因此，要把教學資源適當地向農村小學傾斜，增加它們的教學設備，配備專業的音樂教師，全方位地刺激學生感官，讓他們快樂地翱翔在音樂的領域里。
二、教學過程要傾注情感教學元素
音樂本來就是一門藝術，也是人類社會發展中的精神財富，能夠有效的刺激學生的聽覺、視覺和思維能力。據科學研究證明，人類對于歌詞的記憶力往往比一些古詩詞、大篇幅的文章要深刻得多，而且過了很久學生依舊不會忘記。通過不同的曲調練習，無形之中增強了學生的歌詞識記能力。情感教學的元素，在于不斷地追尋美好，在于不斷地付出，在于堅持，在于走向生活的快樂。作為成年教師，我們不能因為學生尚處年幼，忽視了音樂對他們心智發育的影響，應當看到小學生在平時音樂課的練習中所表現出來的情緒和感情。在小學音樂課教學中，教師傾注的情感教學元素主要表現在耐心地糾正每一個學生不當的發音，糾正他們的音準，一遍又一遍的教他們如何用自己的嗓子發音，一絲不茍的對音樂教材進行理論講解，抓實踐練習細微細致，聲情并茂地為學生做教學示范。這些都是小學音樂教學中的情感教學元素，只要音樂教師投入其中，這些學生會與我們產生良性互動，我們會發現他們能感覺到我們傾注之中的情感教學。
三、善于發現學生在教學中的微妙變化
音樂課是小學生表達情感教學的一門課程，他們在繁重的文化課中解放出來，自然會在這么課程中找到一種宣泄的渠道。作為小學音樂教師，我們就需要在教學中多多發現學生的情感教學變化，不能只是為了完成教學任務，胡亂的湊完每堂課的四十五分鐘。學生在唱歌的時候，也是他們最放松的時候，我們只要細心觀察，就會發現他們表達出來的微妙情感。或激動，或亢奮，或疲憊，或厭倦，或渴望，或壓抑，我們小學音樂教學工作者要做的，就是發現這些情感教學并加以適當的'引導。當學生有些過于激動的時候，我們要讓他們平復下來，回歸到理性的層面；當我們發現有些學生厭倦疲憊的時候，我們應該嘗試著找到產生這些情緒的原因，幫助他們找到音樂的樂趣和靈感，幫助他們養成集中精力做好一件事情的良好習慣；當我們發現學生對音樂渴望的眼神，或者是表現出來的一些天賦靈感的時候，我們不要無情地加以忽視，而是多多鼓勵和褒獎，讓他們在音樂的領域中找到自信心，并把這種自信心帶到生活中，帶到其他科目中去。
四、結語
總而言之，要以積極奮發的精神來感染學生，影響學生，只要我們認識到小學生的情感思維中的微妙變化，并傾注教學情感，對于有靈感天賦的學生積極加以引導，小學音樂課教學工作必定能呈現一個良性循環和最佳互動的局面。小學音樂課是一門陶冶情操的藝術課，需要廣大的教學工作者不斷努力，重視這么課程，傾注教師的教學情感，以耐心細致的情感來培養學生對于音樂和生活的熱愛。
音樂的論文11
【摘要】薩繆爾·巴伯（SamuelBarber）是20世紀世界著名的美國作曲家，其音樂風格既受到傳統歐洲音樂的影響，又巧妙的運用現代音樂為自己的音樂服務。與同時代的作曲家相比，巴伯避免了機械化、死板化的缺點，優美的旋律中不時流露出別具特色的各種美國音樂元素，使其在流派紛紜的20世紀音樂中獨樹一幟。本文通過巴伯的《漫游集》，《鋼琴奏鳴曲》和《鋼琴協奏曲》三部鋼琴代表品，著重探析巴伯鋼琴作品中對美國音樂元素的具體運用。
【關鍵詞】薩繆爾·巴伯；鋼琴曲；美國音樂
一。巴伯的生平簡介
薩繆爾·巴伯，1910年生于美國賓夕法尼亞州西切斯特鎮，從小受到母親和姨夫一家在鋼琴和聲樂上的熏陶，6歲時便能即興彈奏旋律，7歲時開始在聲樂和器樂的創作方面顯示出非凡的才能，10歲時寫出歌劇《玫瑰樹》的劇本。1924年，14歲的巴伯進入新創校的柯蒂斯音樂學院（Curtis）學習鋼琴、作曲、聲樂和指揮。畢業后，長期游學歐洲的經歷，使傳統歐洲的古典、浪漫派音樂和文學深深扎根在巴伯的音樂語言當中。
20世紀50年代，巴伯的專業作曲家生涯進入頂峰時期，此時的巴伯被認為是十分卓越的作曲家和美國音樂的傳播人，多次代表美國參加國際音樂活動。然而1966年創作的《安東尼與克利奧帕特拉》成了巴伯職業生涯的由盛到衰轉折點，1981年1月23日巴伯在紐約去世。
二、巴伯的鋼琴音樂創作
巴伯一生寫過4部歌劇、2部芭蕾舞劇，19部管弦樂作品、14部室內樂、39部獨奏樂器作品、20部合唱作品、106部聲樂作品等。與此相比，巴伯的6部鋼琴音樂作品在數量上顯得相對較少，但是這些鋼琴作品無論在音樂語言的豐富性，還是創作思想的深刻性上，都足以代表巴伯音樂創作的最高成就，在巴伯的音樂創作中享有重要的地位。而其中尤其以《漫游集》、《鋼琴奏鳴曲》和《鋼琴協奏曲》三部作品最具代表性（另外三部為《紀念》（Souvenris），《夜曲》（Nocture），《敘事曲》（Ballade））。
這三部鋼琴作品表現出巴伯過人的`掌握多種音樂風格的能力：抒情的旋律、明確的調性、古典曲式結構的頻繁運用都體現出傳統歐洲音樂風格；大量不諧和和聲、半音階，十二音列的運用又體現出嫻熟的現代音樂作曲技法；富有美國風情的音調節奏不時點綴著樂曲，顯示出巴伯對美國民族音樂的挖掘和熱愛，三種風格迥異的音樂和諧的融合在巴伯的作品中，最終形成了巴伯特有的音樂風格。
三、美國音樂元素的運用
作為土生土長美國作曲家，巴伯從來不曾忘記在自己的作品中加入美國音樂，來向世界介紹自己國家的音樂風格。美國是個民族大融合的國家，許多的音樂風格都來自不同民族，有外來的也有本土，如印第安音樂，拉丁美洲音樂，西部鄉村音樂和爵士樂等等。而在美國音樂中又以爵士樂最為突出，而爵士樂又以它突出多變的節奏和與眾不同的爵士音調為主要特點。
（一）爵士節奏
巴伯曾說過他對爵士樂的看法“爵士樂對我來說非常簡單，你在聽爵士樂時更多的時候是跺著腳打著響指，而不是靠耳朵。”這說明了在爵士音樂中節奏的重要性。爵士節奏豐富多變，其特點大多是搖擺，節拍重音交錯和即興。《漫游集》第一首樂曲就采用了典型的“布吉——烏吉”（boogie—woogie）的風格，即一種爵士鋼琴風格，最初是為舞蹈伴奏，特點是左手彈奏強有力的固定低音，一般是以雙音或是分解八度構成固定低音。而右手則采用大量的切分與不規則節奏與左手的穩定形成對比。（見譜例1）
譜例1
《漫游集》第二首樂曲大量運用各種時值的附點和三連音，營造出一種隨意的搖擺的慢速布魯斯風格，在《鋼琴協奏曲》第二樂章中也采用了相同的節奏特點（見譜例5），附點加十六分音連線的組合正是搖擺的爵士節奏風格。《鋼琴奏鳴曲》曲第一樂章一開始大量附點節奏則不再是搖擺的風格，而是代表了一種堅定的力量，同時以八度音程加強其力度，具有打擊樂的特點，在樂曲一開始就把主題宣示出來（見譜例2）。在《鋼琴協奏曲》第一樂章發展部的節奏特點則充分體現了爵士節奏即興的特點，從114小節到119小節都是有規律的以三個十六分音符為一組的節拍，右手先奏出三個音，左手跟隨右手第三個音進入，兩個手的銜接很有規律。從120小節到126小節則打亂了前面有規律的節拍，把前面的節拍材料加以變化，十六分音符時而兩個音一組出現，時而三個音一組，甚至一個音。而左右手的銜接也不再有規律，而是按照各自的節拍進行，交錯的節拍加上無規律的音符組合在聽覺上達到了即興的效果。
譜例2
（二）爵士音調
爵士風格的音調是由具有特色的音階構成，而巴伯多采用布魯斯風格的音階。布魯斯源自于聲樂演唱，它的音階特點是含有“藍調音”——即降Ⅲ級音和降Ⅶ級音，（見譜例3）“藍調音”與正常的Ⅲ級音和Ⅶ級音交替使用，Ⅵ有時候也會降，這與聲樂中的滑音，顫音有關，其曲調風格憂郁。
譜例3
在《漫游集》第一首樂曲首中隨處可見這樣的“藍調音”，如結尾處反復交替出現的c小調降Ⅲ級音和還原的Ⅲ級音。（見譜例4）
譜例4
在第二首樂曲中更是典型的布魯斯風格。除了《漫游集》這部爵士風格的樂曲外，在巴伯的其他作品中爵士音調像精靈一樣隨處可見，時刻給聽眾驚喜，使人驚訝于他對各種音樂風格的把握天賦。如《鋼琴協奏曲》第二樂章中出現了頻繁的半音交替的布魯斯音調，第二主題的布魯斯風格與第一主題的德國民歌風格的交相輝映，兩種不同文化背景的音樂和諧的融合在樂曲中。（見譜例5） 譜例5
包含有爵士風格音調的地方還有許多，如《鋼琴奏鳴曲》第一樂章開始的降A和還原A交替出現（見譜例2），第四樂章中一個固定短小的動機中包涵的布魯斯音調（見譜例6）等等。
譜例6
（三）其他美國民族音樂
巴伯除了采用了爵士音樂作為創作素材，還吸收了許多其他民族音樂，并在作品中反映出來。《漫游集》第三首樂曲是拉丁美洲舞蹈的音樂風格，伴隨著探戈的節奏，其旋律迷人動聽（見譜例7）。
譜例7
《漫游集》第四首樂曲一開始就使用開放和弦來模仿口琴的聲音，隨后的單音旋律模仿的是小提琴，然后兩種樂器同時出現，讓人領略到了迷人的美國西部風情。（見譜例8）
譜例8
綜上所述，《漫游集》（ExcursionsOp。20）是巴伯受鋼琴家貞尼·貝倫德（JeanneBehrend）委托而作，通過這部作品，巴伯向世人證明了他駕馭“美國風格”音樂的能力。作品在規模較小的古典形式中融入了美國民間風格，包括拉丁美洲的舞蹈音樂，鄉村音樂，爵士樂等等，這些風格非常突出地體現在節奏方面，對民間舞蹈、民歌和民間樂器的描繪和模仿也不少見。這些美國音樂的元素同樣也滲透在他的《鋼琴奏鳴曲》和《鋼琴協奏曲》中，并將這些特色的民族元素結合現代音樂的作曲技法，演繹出不失傳統歐洲的浪漫情懷。巴伯對美國音樂元素的運用使美國鋼琴音樂的發展達到一個嶄新的高度，這也使巴伯最終成為最受歡迎的美國音樂傳播人。
結語
在音樂流派眾多的20世紀，運用民族音樂元素創作，巴伯不是第一人，也不是唯一運用美國音樂元素創作鋼琴曲的作曲家，相比同時代的科普蘭（AaronCopland）和格什文（GeorgeGershwin）對爵士音樂的運用，巴伯的的音樂風格則更為多樣化，包容性更強，這主要體現他對傳統歐洲古典和浪漫派音樂、現代音樂以及美國音樂的完美結合上。
作為現代21世紀的鋼琴演奏者，一首近現代作品，包涵的音樂風格往往不再是單一的一種，而是數種音樂風格的融合，這對演奏者提出了越來越高的要求，很好的理解并演奏這些作品就要求我們全面的掌握了解各種時代、地域、個人風格的特殊性，我們只有跟上音樂歷史的腳步才能更好的表現近現代作品的音樂內涵。
參考文獻
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音樂的論文12
音樂欣賞是一項以音樂藝術作為媒介，以滿足審美為目的的音樂活動。在高校，如何開展審美活動、開展什么樣的審美活動、倡導什么樣的審美情調都將會對大學生的音樂欣賞能力產生很大的影響。在音樂欣賞中，只有充分發揮出音樂自身的特質，感染大學生的審美視角，培養大學生的審美理念，才能提高音樂的欣賞能力，才能實現音樂欣賞的終極目標――促進素質教育水平的不斷提高。
一、音樂欣賞概述
音樂是人類的一種文化發展現象，是人類重要的精神產物，也是一種最富情感的偉大藝術。音樂欣賞是音樂實現其價值的必經環節，是傳遞文化的重要部分。音樂欣賞是指欣賞者在接受音樂、聆聽音樂的過程中，從音樂中獲取精神上的滿足和理性的思考體驗的全過程，主要包括了對音樂作品中的曲調、樂譜、感情抒發及音樂創作者等多方面的分析，從而產生的與作者的音樂欣賞的共鳴，開闊欣賞者的視野，從精神上體驗音樂美。
在欣賞一首音樂作品時，音樂會通過人類的感官系統與欣賞者自身的情感與經歷相融合，進而激發出欣賞者對于音樂的獨有的理解、感知，進而實現對欣賞者的情操的陶冶和情商智商的啟發，具有非常重要的作用。也正因音樂欣賞給人們帶來的眾多美的體驗和享受，近年來各大高校也陸續開設音樂欣賞課程，并以音樂欣賞作為主要的教學內容，對大學生的素質教育有著重要的積極作用。
二、音樂欣賞的意義
音樂欣賞是一項高級的人類文明，是啟發人類感知與情感的重要活動。作為高校大學生來說，音樂欣賞是啟發智商、培養情商、提高綜合素質的重要渠道，音樂欣賞具有非常重要的意義和作用。
（一）音樂欣賞可以培養和發展大學生的音樂感知和音樂表現能力
音樂欣賞的過程，可以逐步培養大學生感受音樂的能力和水平，使其認知、了解音樂的音高、音長、音強等要素，熟悉音色的不同，明了音樂節奏的快慢以及和聲等音樂表現形式的運用和效果，提高大學生的音樂感知能力。同時，音樂欣賞教學還可以培養大學生的注意力和記憶力，在音樂欣賞的過程中，往往要求欣賞者要全身心的投入到音樂中去，要求始終保持著一種較為專注的心理和精神狀態，只有如此才能使欣賞者的心理與音樂活動保持穩定的聯系，進而實現幫助欣賞者培養和鍛煉注意力、記憶力的作用。除此之外，通過音樂欣賞活動還能培養學生的想象能力，在音樂欣賞的過程中，學生可以隨著音樂節奏肆意想象，通過思維遐想實現思想的擴展，給予學生充分的想象空間。經常進行音樂欣賞活動還能給予學生一定的音樂表現能力的培養，對于學生的音樂感受能力和表現能力都具有極大的促進作用。
（二）音樂欣賞可以幫助學生開放思想，提高創新能力
音樂欣賞不僅僅是一項放松的娛樂活動，同時也是一項愉悅身心、開發思維的良好方法。音樂本身就極具開放性和愉悅性，可以使大學生在進行專業課程學習的同時陶冶情操，愉悅精神，激發學生的學習能力和創新能力。音樂欣賞的過程中，學習、理解音樂形象是一項重要方面，而每一個欣賞者在進行音樂欣賞時都會根據自身的特征和感觸進行音樂形象的個性化再造，進行二次創作，實現學生的創新能力的發揮。如在著名的二胡曲目《二泉映月》中，大學生在進行音樂欣賞時，有的學生感受到的是舊社會最底層的勞動人民生活的不易，有的學生也在其中感受到了歷史的悠久和時代的進步，還有的學生在其中感受到了愛情的濃濃深意，一千個人心中有一千個哈姆雷特，在音樂的欣賞過程中也是如此。音樂是思維者的世界，是思維者的聲音，音樂欣賞是一項需要學生根據自身實際進行二次創作的復雜過程，是一項可以幫助學生開放思想、培養創新能力的系統性工程，它鼓勵學生敢于去想象、敢于去創新、敢于去質疑、敢于去突破，這正是時代的需要和發展的需要。
（三）音樂欣賞可以幫助學生轉變思想觀念，培養獨立自主的品質
音樂欣賞給學生提供了充分的審美學習和實踐機會，是學生感受音樂語言魅力的重要途徑，也幫助學生轉變了學習只能從書本獲取、能力只能從動手中獲取的思想觀念，促使學生在審美中去偽存真、在審美中獲取能力、在審美中收獲知識。音樂具有非常豐富的種類和曲目，給予了欣賞者多樣、廣泛的.選擇性，也使欣賞者可以隨意按照自己的喜好進行音樂的欣賞活動，并且充分的隔離旁人的干擾和干預。在高校的音樂欣賞課程中，大學生往往可以根據自己的音樂品味和喜好進行欣賞活動，在這個過程中，學生獨立自主的特性和品質將得到充分的體現和鍛煉，幫助學生實現其音樂欣賞選擇的獨立自主。同時，在同一個曲目的音樂欣賞的過程中，每位同學對于音樂的感受和體會也各不相同，而音樂欣賞是認同并鼓勵這種自我的思維發散的，鼓勵實現音樂理解的不確定性，并給學生留有充分的思想留白，幫助學生實現其思想的獨立自主特性。
三、提高大學生音樂欣賞能力的方法
提高大學生的音樂欣賞能力是高校踐行素質教育、實現教學目的的重要渠道。如何進一步提高學生的音樂欣賞能力，實現音樂教學與欣賞能力培養的有效結合，是一項值得思考的課題。
（一）改善音樂教學環境
任何教學活動如果缺少了學生的主動配合和積極參與，其教學效果都將大打折扣，音樂欣賞教學也是如此。在音樂教學的過程中，要盡量營造一個良好的教學環境和教學氛圍，教師可以充分使用多媒體教學設備，根據不同的授課內容和不同的音樂曲目，進行差異化的教學設計，將音樂的思想、感情、風格進行融合教授，結合教學實際設置生動的視聽設置安排，給學生呈現一個全方位接觸音樂、多視角學習音樂的教學課堂，使學生身臨其境的享受音樂帶來的精神盛宴，完美實現教學效果。高校在適當的范圍內，要給予音樂欣賞課程提供更加優質的教學設備與物理環境，充分重視音樂欣賞課程，為大學生進行音樂欣賞課程的學習打好基礎。
（二）牢固音樂基礎知識
任何的教學過程，都離不開夯實的基礎知識，對于音樂欣賞能力的培養來說，音樂的理論知識的掌握尤為重要。在音樂欣賞課程的進行過程中，要充分重視音樂基礎知識的傳授，要從音樂基礎的樂理知識、節奏等方面入手，正視對大學生的音樂分析能力的培養，幫助大學生在充分熟悉音樂欣賞過程的側重上和關鍵點的基礎上，使其充分領會音樂作品所傳遞的精神和思想。同時，學生在進行音樂欣賞的過程中，要學會做好音樂欣賞的準備工作，要在充分占有音樂作品創作背景的基礎上進行，唯有如此才能充分體驗音樂的思想和靈魂，才能實現提高音樂欣賞能力的目的。
（三）鼓勵學生參與音樂實踐
實踐是能力培養的關鍵。在音樂欣賞教學過程中，也應給與學生積極參與、充分實踐的權利和機會，可以在教學的過程中適當增加學生的討論環節和音樂演示環節，充分調動學生的積極性，實現課堂良性互動，提高音樂欣賞教學效果。同時，高校可適當為學生營造音樂學習交流的平臺，鼓勵學生成立音樂欣賞社團組織等，為大學生音樂創造性的發揮和實踐提供平臺，提高學生音樂創作的積極性，培養學生音樂欣賞習慣，提高其綜合素質。還要積極鼓勵學生去聆聽不同類型、不同風格的音樂作品，這樣有利于提高學生的音樂記憶力，使學生在不斷聆聽音樂的過程中，提高對音樂作品的把握和體會，提高感性認知能力。
（四）提高教師隊伍的音樂素養
教師是音樂欣賞活動的主導者和負責人，其自身素質的好壞將直接影響教學效果和教學質量的好壞。高校教師要積極提高自身音樂欣賞素養和能力，充實音樂理論知識，深刻音樂思維和見解，在授課時才能充分滿足學生的求知欲，激發學生的學習欲望和創新思維。同時，教師要積極拓展自身的思維視野，避免形成思維定式，要堅持以人為本的教學理念，要鼓勵學生豐富的思維活動，不壓制學生的個性化思維，采取引導的方式，實現教學效果，提高教學效率。適當開展多元化的、個性化的教學，充分開展不同類型的授課過程，為音樂欣賞教學過程營造一個較為活潑、生動的氛圍，適當將學生放在音樂欣賞的主體地位上，尊重學生的感知和不同的音樂欣賞能力，給予不同的音樂欣賞能力的學生以有所側重的教學，實現兼顧公平的差異化教學方式，實現學生集體音樂欣賞能力的同步提高。
音樂是一項與人類生存、生活息息相關的偉大藝術，在世界的每個角落無不充斥著多樣的音樂。音樂欣賞既可以陶冶學生的情操，也可以開闊學生的思想視野，還能促進大學生形成良好的綜合素質，塑造學生的人格魅力，滿足時代的發展需要，因此，大學生的音樂欣賞能力要充分得到社會的重視，尤其是高校，要積極在音樂教學中進行創新和變革，充分重視音樂教學的重要意義，發揮多樣的教學手段，激發學生學習興趣，彌補大學生音樂知識的匱乏不足，進而實現大學生綜合素質整體、全面的提高。
音樂的論文13
當前電視、媒體雖在不斷大力宣傳紅色傳統的民族歌曲,可是學生們似乎并不喜歡聽,他們總是選擇如張杰、汪蘇倫、周杰倫等歌星演唱的流行歌曲。因此,重視民族音樂與教學,培養音樂人才,是擺在我們面前的嚴峻問題。
一、提高認識,加強自身修養
一堂成功的音樂課,不僅能使學生感到輕松活潑、其樂無窮,而且還能開發學生豐富的想象力,從而有效地達到教學目的。想要學生喜歡音樂課,必須讓學生喜歡音樂老師,要想讓學生喜歡音樂教師,就必須具備良好的綜合素養。所以,加強教師本身音樂修養與能力就顯得尤為重要。在教學中,教師不能只局限于完成教材所給的內容與要求,更應該注意拉近學生與音樂的距離,充分挖掘其中的內在的美,這是教學的重點所在。這就需要我們不斷學習、不斷研究,與時俱進,適應時代與學生不斷的審美需求,讓學生愿意、喜歡接近老師尤其是民族音樂文化。
二、開拓視野,深化了解
教師要多留意電視、媒體等播放的音樂,不斷收集積累,用錄像、錄音設備等,把電視與媒體中好的、有意義的視頻及時錄制下來,以備平時教學使用,并把平時積累的材料應用到教學之中。如通過播放錄像形式,介紹小提琴協奏曲《梁祝》等……當學生看到中國民族民間音樂在世界級音樂大廳受到外國朋友的喜歡,聽到了經久不衰的掌聲時,民族自豪感便油然而生。
三、以情感為主線,培養學生對民族音樂的深厚感情
沒有情感的教育學生不能產生興趣,同時情感又制約著學生的認知學習。如何提高學生對民族的音樂熱情呢?教師要選擇適合中小學生生理、心理特點和接受能力的音樂作品,同時加強對教學形式的精心選擇。如唱、奏、欣賞各種類別的傳統優秀音樂內容時,要先考慮培養民族音樂思維,激發學生主體主動學習民族音樂的熱情,營造濃厚的傳統音樂文化氛圍。
四、利用各種手段和方式,培養學生的民族情感
(1)民族音樂與課內外活動相結合。教師要充分利用課內外、校內外的活動進行民族教育。在校內,教師可組織民樂隊、合唱隊,再配合音樂課的教學,教唱民族音樂和民族歌曲,并組織各種民族歌曲比賽、音樂比賽等。
(2)民族音樂與多媒體的緊密結合。教師要充分利用多媒體的功能,在播放音樂時加入圖片或圖譜,提示學生從音樂要素、色彩、內容、表達情緒等方面去捕捉信心,并從視覺上加以輔助,降低學生聽覺上的疲勞,用直觀明了的'方法去指導欣賞民族音樂。
(3)民族音樂與表演有機結合。在欣賞中,教師要抓住中小學生的特點,設計一些切實可行的情境,讓他們在活動中感受民族音樂的美。
通過以上的教育活動,讓學生充分認識到民族音樂是世界文化的遺產中的一顆璀璨的明珠,加強對民族音樂的認識和熱愛,不斷增強民族意識。相信通過我們的不斷努力,會讓民族音樂真正的潛入學生的心田,培養音樂人才,使民族音樂文化不斷得到傳承、發揚與光大。
音樂的論文14
摘要：
音樂教育的道德塑造功能，音樂教育還具有道德塑造功能，可以提升青少年的思想道德水平，在今后的生活與學習中用道德來約束自我，使社會變得更加和諧、美好。在音樂中也存在美、丑、善、惡的人物形象，并且音樂中更加弘揚一種美善理念，引導人們去追求正義。
關鍵詞：
初中音樂教育論文發表,發表音樂教育教學論文,初中思想政治教育論文投稿
一、音樂教育的道德塑造功能
音樂教育還具有道德塑造功能，可以提升青少年的思想道德水平，在今后的生活與學習中用道德來約束自我，使社會變得更加和諧、美好。在音樂中也存在美、丑、善、惡的人物形象，并且音樂中更加弘揚一種美善理念，引導人們去追求正義、追求善良之美，最終達到道德塑造效果。因此音樂教師在對青少年進行音樂教育時，應該要充分發揮音樂的道德塑造功能，將社會精神融入到音樂中，幫助學生樹立正確的世界觀、人生觀、價值觀，并用這些思想去指導生活，以達到音樂教學目標。音樂的形成與人們的倫理道息息相關，它是社會倫理之美的一種表現，教師在教學時需要重視音樂的道德教化作用，是青少年塑造更好的人格，提升他們的音樂品性。比如學生在學習《歌唱祖國》這首歌曲時，通過歌詞可以讓學生樹立愛國意識，并在音樂中增強其民族自豪感。“歌唱我們親愛的祖國，從今走向繁榮富強”，青少年在這樣激昂的音樂中感受祖國的偉大，并逐漸端正自身的學習態度，提升其歷史使命感，為建設自己的國家不斷努力奮斗。
二、音樂教育的智力開發功能
音樂教育有助于青少年的智力開發，可以讓他們養成良好的學習習慣。在歷史中許多名人都進行過音樂教育，有一些甚至在音樂中頗具造詣，比如中國儒家創始人孔子不僅是偉大的思想家，同時也是音樂家；中國導彈之父錢學森也有很高的音樂修養；號稱天才的物理學家愛因斯坦也接受過音樂的訓練，不僅會彈鋼琴，也會拉小提琴，他認為音樂對人的智力開發有著重要的作用。因此教師在對青少年進行音樂教育時，應該要做好智力開發教育工作，通過音樂來逐漸提升學生的感知力、想象力、記憶力和思維能力，最終達到智力開發目標。比如在進行鋼琴訓練時，學生需要保持身體的協調性，讓大腦與手指高度統一，這樣才能更好的表達音樂作品，提升鋼琴音樂的感染力。在這樣的訓練中，不僅可以提升學生的手指速度，同時也可以鍛煉學生的腦部細胞，從而實現智力開發，拓展學生的思維，為學生今后音樂以及其他知識的學習提供幫助。
三、音樂教育的審美鑒賞功能
音樂是藝術的一種表現形式，因此它本身也含有一種魅力，音樂教師在教學時應該要積極培養學生的藝術審美能力，增強學生對美的認識，從而更好的'感受生活的美好。對于大多數青少年來說，他們自身對事物的認識不夠充足，審美能力也不高，需要教師通過引導來逐漸提升其審美情趣，培養他們積極樂觀的精神，為他們今后的生活提奠定基礎。在音樂的引導下，許多學生可以去逐漸體會音樂所描繪的意境，并與音樂創作者產生共鳴，讓美好的事物進入到青少年的視野。比如學生在學習《在希望的田野上》這首歌曲時，能夠在歡快的音調與節奏中逐漸進入到音樂為其創造的情景中，感受農村田園風光的魅力，體會到豐收時勞動人民的喜悅之情，增強其音樂審美能力。在這樣的潛移默化的教學中，學生可以提升其審美水平，對事物有著更加深刻的認識，實現學生的良好發展。
四、總結
因此，教師在對青少年進行音樂教育時，應該要充分發揮音樂的美育功能，逐漸拓展學生的音樂視野，提升他們的審美能力，感受身邊事物之美，并養成良好的生活習慣。除此之外，教師還要通過音樂來提升學生的思想道德水平，實現心靈美的教育，提高學生的人格魅力。學生在音樂的引導下也能夠開發智力，提高他們的學習成績，為今后其他知識的學習奠定良好基礎。除此之外，學生也可以增強自身的情感體驗能力，提升其整體素質，最終達到音樂美育教育的目標。
音樂的論文15
論文關鍵詞:音樂;繪畫;關聯;印象主義;表現主義
論文摘要:音樂與繪畫是兩種不同的藝術門類,但兩者存在著許多關聯之處,涉及到藝術家身份的關聯、觀念上的繼承、理念上的認同等等。既然它們同屬于藝術就一定存在著共同之處。
音樂既是聽覺藝術,又是時間藝術,還是動態藝術,它在一定的時間里,以樂音和噪音的持續運動來表現自己,它以音響在持續或間斷的運動中體現著“以聲表情”、“聲情并茂”的藝術形象。音樂可以說是心靈的藝術,它通過音響來表達感情或形象,使欣賞者的心靈產生或震撼、或愉悅、或平靜、或心潮澎湃等等各種各樣的感受,并以引出欣賞者在情緒上的共鳴為己任。
繪畫是視覺藝術、空間藝術,也是靜態藝術。畫家將線條、色調及其他形式勾勒出一定的具象或抽象的圖形,從視覺上給觀賞者以強烈印象,并引起各種情緒的反映,產生審美刺激。
音樂與繪畫各自通過不同的媒介物、用不同的藝術表現手段,向人們傳達著作者所要表達的內容和情感。音樂與繪畫是兩種截然不同的藝術形式,如果論及它們之間的關聯,不得不先論及藝術家身份的關聯。
一、藝術家身份的關聯
許多藝術家本身既是音樂家又是畫家,如康定斯基、勛伯格、達芬奇等等。
康定斯基(WassilyKandinsky,1866-1944)是俄國表現主義繪畫的代表人物之一,他同時又是一位精通音樂的人,他與表現主義音樂的代表作曲家勛伯格(A.Schoenberg,1874-1951)交好,并特別喜愛聽勛伯格的作品,在聽其管弦樂時常會感到“眼前有如亂發一樣的無數的線條在狂舞”。由于康定斯基本人也可說是音樂家,故而其繪畫作品接近音樂的性格,他以暴風一樣的激情的情感、火焰般的強烈色彩、表現內心的感動,并賦予色彩、畫面以音樂性,如他的《浪漫的風景》,描繪了幾匹從山坡奔馳而下的馬,騎者被彈的很高,那激烈運動的色點、具有動感的大色塊、以及橫穿畫面的斜線,如同被演奏著的一首奔放的交響曲;在其《連鎖》中,二十多個相似而又獨立的生命體,色彩鮮艷、整齊規律地排列在一起,有如音樂作品的結構,其整個作品體現出被凝固著的又仿佛流淌著的動人旋律。
康定斯基的繪畫接近音樂,用仿佛音樂般的線條與色塊來表達自己的內心世界,他將繪畫作品賦予了音樂性的效果。他把色彩作為鋼琴鍵盤、將線條作為弦樂、各種不同的構圖當作銅管,制造出了動人心魄的“交響曲”。他對音樂的熱愛,通過他的繪畫作品淋漓盡致地表達出來。
康定斯基的好友作曲家勛伯格同時也是一位畫家,在勛伯格的音樂作品中,如弦樂五重奏《升華之夜》、獨唱劇《期待》、配樂說唱《月迷彼埃羅》等等,都以各種音樂手段(如無調性的旋律、十二音的構造、音樂的織體等)體現著他對生活的感受和對社會的思考,同時,也呈現出強烈的畫面感。他常常將自己對繪畫的熱愛(自然,他也有許多繪畫作品),用強烈的刺激的音樂音響表達出來,有意嘗試將表現主義者在繪畫方面的心得,轉介入音樂之中。
眾所周知,達芬奇((ScuolaLeonardodaVinc,i1452-1519)也是位同時通曉繪畫與音樂的藝術家,他認為音樂雖然是聽覺藝術,但它與繪畫有許多相通之處:一、音樂與繪畫都有節奏;二、音樂與繪畫同樣有比例關系;三、音樂與繪畫的美感完全建立在各自部分之間的的相互滲透。他的見解得到眾多藝術家的認同。
正由于如此,使音樂與繪畫著兩種不同的藝術在許多地方體現出意念或概念上的趨同。就以印象主義為例,也證明著印象主義音樂與繪畫在觀念上的繼承。
二、印象主義音樂與繪畫在觀念上的繼承
印象主義音樂是19世紀末法國作曲家德彪西(Achille-ClaudeDebussy,1862-1918)首創的一種音樂風格,然而音樂上的印象主義卻是直接來自于繪畫上的印象主義。19世紀末的畫家馬奈(EdouardManet,1832-1883)、莫奈(ClaudeMo-ne,t1840-1926)、修拉(GeorgesSeurat,1859-1891)等人的作品打破了古典的作畫風格,避開了寫實的畫風,而創作出對一瞬間的光色、氣氛的感覺與印象、以鮮明跳躍的色彩替代幾百年以來深沉、灰暗的醬色調的畫風。印象主義繪畫直接觸動以往既定的審美模式,而開啟20世紀現代美術的先河。作為對一切新鮮事物一場感興趣并熱愛繪畫藝術的德彪西,為這種新穎的畫風所影響,以管弦樂序曲《牧神午后》,創立了印象主義音樂的音樂流派。
印象主義音樂繼承了追求感官印象描繪的特征,用音樂來表現作曲家通過聽覺、視覺、幻覺甚至是嗅覺所捕捉到的對自然現象、景物、人物等的感覺和印象,如同印象主義繪畫那般,放棄傳統音樂中那嚴密的組織和理性、邏輯性的結構形式,其音樂被作曲家以自由抒發的靈感式的`傾訴變成了模糊、隱綽、松散的輪廓,音樂語言發展成虛無飄渺的意境。德彪西是位具有反叛精神的作曲家,他不固守傳統,同印象派畫家和象征派詩人交往甚密,并繼承了他們的思想觀念。德彪西的音樂不以旋律為生命,而以片斷、零碎的形態,偏離大小調的音樂體系,削弱和聲的功能性而增加其色彩性的音樂特征,使印象主義音樂呈現出新穎、雅致、清新、靈巧、缺乏音樂發展所固有的內在動力的品質。他以這種音樂風格體現著印象主義繪畫風格的觀念:在從透明而重感官的結構里激發起理想中的境界,自然景物或人不再是表現的重心,而強調光與色的效果;不著重表現具象與事物的本質,而注意自然界光色變化和瞬間運動感,體現著朦朦朧朧夢一般的印象。如同印象主義繪畫一樣,印象主義音樂常常在作品內容的選擇上脫離現實世界的題材,專注于光影的游戲和愉悅的性格和能給人感官享受的事物,它把以音樂的豐富色彩呈獻給大家,發展了音樂詩意的感情與氣氛,并常常醉心于個人的藝術天地,甚至有點孤芳自賞的意味。
印象主義音樂是在觀念上對印象主義繪畫的繼承,它打破了以往傳統的作曲方式,成為了20世紀現代音樂的橋梁。印象主義音樂于繪畫的關聯,直接或間接地影響到表現主義音樂與繪畫在理念上的認同。
三、表現主義音樂與繪畫在理念上的認同
“表現主義”(Expressionism)一詞首先出現在1911年德國的《狂飚》雜志中,它是在第一次世界大戰前出現在德國的一種藝術流派,表現主義針對印象主義對自然和現實的模仿與再現,主張藝術要直接表現思想的本質、內在的靈魂,強調藝術的表現力和形式的重要性,反對機械地模仿客觀現實,作品中體現出機械文明壓制人性的強烈不滿。表現主義藝術流派首先出現在美術領域,再而影響到音樂。
表現主義繪畫的代表人物之一便是康定斯基。以康定斯基為代表的表現主義畫家反對學院派自然主義的古典風范,主張不應機械地模仿客觀現實,主張用以線條與色塊體驗人類思想的本質,并以個人對主觀感情來取代視覺的感受。正是由于理念的趨同,使作曲家勛伯格深受表現主義繪畫的影響,勛伯格與其兩位弟子貝爾格、威伯恩創立了音樂上的表現主義。表現主義的作曲家們用自己的心靈感受到德奧現實生活充滿著丑惡和痛苦時,他們的音樂便以抽象、夸張、扭曲、怪誕的筆法對現實進行變形的描繪,用夢魘、幻覺來影射客觀世界,用刺激、不協和的音響來揭示心靈的孤寂、恐懼、絕望乃至瘋狂。
無論是表現主義的音樂或是繪畫,其創作風格與技法,都突破了傳統,并引起藝術界的強烈震蕩。勛伯格在進行表現主義音樂實驗的初期,一直處于高度的緊張氣氛之中,其作品受到如同表現主義繪畫一樣的待遇:讓人一時不能理解,也無法接受。其作品的每次上演,都會引起聽眾的一片譴責,即使是晚期作品,也不是那種讓聽眾為之愉悅,為之共鳴的音樂,因為,表現主義音樂突出的特點是無調性(atonality),其使用的作曲手法是前無古人的“十二音體系(twelve-notesystem)”,這種作曲體系掀起了“不協和音的解放運動”,使歐美音樂界(尤其使作曲界)受到了前所未有的沖擊,并引起震蕩。在他死后,其音樂也存在著爭議的評價。 表現主義繪畫在表現主義音樂之先面世,自然,同樣是憤怒的反應,而后是漠然,直至得到寬容。康定斯基以一種病態的畫面,發泄著對資本主義罪惡的憎恨和因社會危機而引發的在情緒上的恐怖和苦悶。他對色彩“內在音響”的體驗,以及色彩和音樂律動同一性的理解與高度敏感,使表現主義繪畫具有一種音樂性般的藝術效果。
表現主義音樂與繪畫的同一性在美學思想上達到了高度的統一:共同體驗著社會的動蕩、不安,表現著對現實的不滿、恐懼,表達出對印象主義音樂或繪畫那追求光、色一瞬間的印象,及模模糊糊地反映被描繪的事物所散發的氣氛,以及充斥在音樂與畫面間的那迷離、朦朧、神秘意味,主張與傳統徹底決裂,以幾乎變態的理性來反映客觀現實帶給人們的強烈壓抑的精神、思想、信念的本質。
表現主義音樂對表現主義理念的認同,在某種意義上是印象主義音樂對印象主義繪畫觀念上的延續。因為,音樂與繪畫的密切關聯,在歷史的不同時期都有著或多或少的顯現。音樂與繪畫的關聯不僅表現在同一類型的流派之中,甚至表現在不同藝術流派之間,某種流派的作曲家也會受另一種繪畫風格的影響,諸如威伯恩的音樂與晚期印象主義繪畫。
四、威伯恩的音樂與晚期印象主義繪畫
威伯恩(A.werbern,1883-1945)是勛伯格的學生,是表現主義音樂的代表人物之一,他追隨勛伯格步入十二音技法領域,并發展了勛伯格的音樂風格,將勛伯格創立的十二音體系推向序列音樂,他提供了一種“方法”,加強對音高組織的控制,還對音色、時值等要素作出相應安排。他全部的31首音樂作品具有高度集中、濃縮、簡練、主觀、抽象、簡潔的風格,將“純音樂”推向顛峰。在他后期作品中,缺少傳統音樂所特有的線條感,而以單音或是多音,以不同的色彩乍似毫無關系地連綴在一起,造成漫無章法、毫無表情的音響感,然而,他由十二音推向序列音樂的音樂作品,有極強的內部組織的嚴格次序,呈現出高度理智而客觀的風格。這種音樂多以點對點、塊對塊音響連接的風格,與印象主義后期的“點彩派”繪畫存在有許多相似的理念。
“點彩派”的代表畫家是法國的修拉(GeorgesSeurat,1859-1891),他的代表作油畫《大碗島上一個星期的下午》由無數個紅、黃、藍、白單色的小點構成,產生畫面朦朧、迷離的意境。點彩派畫風以法國化學家舍夫略里關于色彩協調理論《色彩對比論》為理論基礎,用紅、黃、藍、白四種原色作不同組合,讓觀眾眼睛自行調動而看感到流光異彩的畫面。點彩派用這種所謂科學的、嚴格的色彩和筆觸,代替以往印象派畫家的那種富有感情的色彩和生動瀟灑的筆觸,比馬奈、莫奈的畫作更忽略作品的內容而單純追求所謂科學的色彩與形式化。修拉的畫風被稱為“點彩法”,而威伯恩那缺乏旋律線條的作曲方法則被人稱為“點描法”,它與“點彩派”繪畫有類似的理念。音樂上的“點抽法”突出的特征是將完整的旋律縱向分配到多個樂器或樂器組來演奏,而以短小時值的音符相連接,形成濃縮的曲調線條,其跳動大的音程,表示旋律線的突凸,反之則柔和,以這種短小時值的點構成的組合,構成威伯恩音樂的主題,并由點對點的短音符在不同樂器或單一樂器不同音區的呈現,構成整部音樂。
“點描法”的音樂與“點彩”派的繪畫在以點組成藝術的理念上,達到心有靈犀的藝術關聯。威伯恩的“點描音樂”以各種不同音色,不同位置的音響的“點”的時疏時密的跳動來構成其旋律,它拒絕傳統音樂那悠長的旋律線條,“點彩繪畫”由一點一點純色的“點”,構成復雜的畫面;“點描音樂”拒絕傳統音樂簡單地抒發作曲家個人的主觀情感,而以嚴格的序列控制作為新的作曲手段,“點彩繪畫”同樣追求色彩理論的原理,將理性的色彩組合看得高于一切。他們共同的理想都是要創作出不同于以往形式的藝術作品,在創新意識上使兩者都走在同一個更為注重形式感的藝術創造的道路上。威伯恩的音樂與晚期印象主義繪畫不屬于同一名稱的藝術流派,前者屬“表現主義”的范疇,后者是印象主義的延續,然而,分析兩種風格的兩種藝術在理念及手法上的關聯,使人產生了極大雷同的印象,擬或可說有“同工異曲”之妙的藝術效果。于是,我們說音樂同繪畫存在有必然的關聯。
五、音樂同繪畫存在的必然的關聯
音樂與繪畫不屬于同一種藝術形式,它們有各自不同的特征與表現手段。然而,它們又同屬于“藝術”這一范疇。既然同是藝術,那便會產生千絲萬縷的聯系。
康定斯基早在1912年就指出兩者之間的聯系:黃色具有不斷向上的“超越”,從而達到使眼睛和神經均無法承受的的功能,而當一只小號所發出的聲音,變得越高越尖銳時,以至于刺痛耳朵和神經;而藍色,則具有“超越”相反的力量,它把眼睛引向無限的深度,因而,發出類似長笛般的聲音(當深藍色時)、或低音提琴的聲音(當深藍色時);在彈奏管風琴低音鍵盤時,你能“看見”深深的藍色;綠色非常接近大提琴纖弱的中音區的音色;而紅色在使用得當時,它給人以強有力的擊鼓的印象。
于是,我們可以這樣認為:大氣和光的振動相成了聲音和色彩之間的物理相似形,便造成我們所感覺截然不同的“音樂”與“繪畫”之間的關聯。作曲家和畫家都能運用不同的“音調”或“色調”,創造出同一種或溫暖或凄涼或熱情或呆滯的共同感受。
音樂與繪畫的關聯,具有審美功能,引發欣賞者的喜愛,并引起人們在情感或情緒上的共鳴、得到人們的賞識,是音樂與繪畫的共同目的。音樂與繪畫有各自己的表現手段與媒介,但兩者都不同程度上浸透了認識因素與教育因素,它們以各自不同的藝術表白方式,給予欣賞者在心理上、感知上獲得效果各異的認識作用與教育作用,只不過這些作用反映在不同的藝術領域和不同的形式之中罷了。所以,各門藝術存在著相互浸透、相互關聯的現象,音樂與繪畫也是如此。藝術就是這么神奇。各門藝術實際上存在有或多或少的必然聯系,因為它們同屬于“藝術”的范疇。音樂與繪畫有各自鮮明的個性,然而,它們又存在著那么多的必然的關聯。
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